En abril y mayo, los argentinos Minino Garay y Eddy Tomassi visitaron México para presentarse por segunda ocasión en el país y configurar una versión mexicana de los Tambores del Sur, su agrupación parisina; es así como Montse Revah, productora y percusionista mexicana (Julieta Venegas, Toussaint, Pecanins, Enríquez, JLo), entró al jam y en una casa en el corazón de Coyoacán, junto a más músicos —Juan Martín Medina (colaborador de Julieta Venegas)—, se encerró con Garay y Tomassi para preparar en pocas horas el repertorio de Que lo parió!, último material de Minino Garay y los Tambores del Sur.

No me quiero enfrascar en la biografía, pero como suele enganchar y, en este caso, enriquece más el virtuosismo de los músicos de este disco, ha de mencionarse que quienes conforman los Tambores del Sur —Fabrizio Fenoglietto, Héctor Gómez, Lalo Zanelli, Sebastián Quezada, Miguel Ballumbrosio, Line Kruse—, junto a Minino y Tomassi, son parte de esa revancha de Gotan Project, Oumou Sangaré, Dee Dee Brigdewater y sin fin. En este disco también figura Kevin Johansen, con la letra de “Como se dice en Cordobés”, y el uruguayo Pájaro Canzani en “Tirate al Río”. La vena africana también se presenta, desde luego en las percusiones [bombo legüero] de “Yo toco sólo bombo”, canto americano, precioso canto yoruba:

Es una lástima que no se distribuyan en México sus discos anteriores (Los Tambores del Sur, Kilombo), ni Que lo parió!, pero seguramente no tardarán mucho en regresar. La poesía compone el disco, no sólo desde las notas musicales: Minino experimenta con el speaking tango, en memoria de Discépolo.

Las deudas —mis deudas— de todos esos veteranos que nos forjaron me inclinan por la música y las letras sobre pérdidas y recuerdos. Esas llagas están en la memoria de “Tierra cuna” y desde luego, siempre que sueño con “Un mundo diferente”, pues también creo que hay que forjarnos, luchando.

“Que lo parió!”

Con vitoreo de estadio, un video.

Por aquí canta Garay. Por la foto también.

Desde el 2005 tres discos modestamente han visto la luz bajo la autoría de Au Revoir Simone: Verses of Comfort, Assurance and Salvation, The Bird of Music y Still Night, Still Light, el de este año. Desde el Bird of Music, el director David Lynch ha sido su más ferviente y voraz promotor y fanático. En escena tres mujeres detrás de tres sintetizadores y un xilófono se despiden de Simone, con esa sobriedad y decoro, necesarios, que permiten al músico ser lo que realmente es: la hoja en blanco sobre la que se impone el sonido; y son vehículo de una música tan sugestiva como etérea.

Au Revoir Simone - "Trace a Line"

Au Revoir Simone es el viento que mueve las hojas de los árboles antes de llover, jugar a hacer pasteles de lodo, recolectar pétalos, y los gusanitos que son parte de los arbustos. Es podar el jardín con avidez pueril. Oprimir las ramas de los helechos con los dedos y recorrerla toda, sentir sus brotes para quedarse con todas las hojas en las manos. Au Revoir Simone es hacer esto sin culpa, y sin cortarse, por supuesto. Una sensación por demás recomendable y posiblemente sobrevaluada por mi memoria infantil fuertemente anclada en imágenes veraniegas. Mi afición por jugar con tierra me llevó un día a descubrir la madriguera de una falso coralillo de temprana, muy temprana edad. Gracias a mis primos mayores, y a su funesto e indescifrable parecido con la verdadera coralillo, fue a dar al frasco en el que mi madre aislaba toda alimaña potencialmente ponzoñosa; especulamos y la admiramos por horas en su lecho de muerte, con unánime cara de asombro, curiosidad y respeto; pobre animal. Ciertamente era preciosa.

Au Revoir Simone - "Shadows"

20 años despues recuperé ese asombro para aproximarme a un descubrimiento igualmente atractivo pero en otro campo: Au Revoir Simone se parece a esa serpiente; es agridulce ,seductor y misterioso. A ratos es de un pop invaluable y otros tantos es como escuchar "Bodysnatchers" en versión femenina. Es adentrarse en un tunel de humedades y raíces, es concretar la expedición, la travesura más osada y aislarla para admirarla.

Primicia: Fuentes confiables nos informaron que Au Revoir Simone tocará en el Lunario de la Ciudad de México el 16 de octubre del 2009.

Si uno entra a la página de cierta disquera, le es posible encontrar una compilación gratuita con lo mejor de los artistas que han lanzado en lo que va del año. Entré por recomendación del jefe, quien entusiastamente presentó lo que ahora yo vengo a compartir aquí, con gran sorpresa.

Resulta que ahí está ésta chica que sabe cómo tocar la viola y sabe cómo tocar el piano, pero no sólo eso, sino que lo utiliza talentosamente para hacer música increíble, tan sencilla que, salvo en una ocasión, no es posible escuchar en ella más de tres instrumentos a la vez; todo un reto. La música de Anni Rossi es una pirueta, una trompetilla que rebota en la más tremenda voz elástica y lúdica. Aquí se sostiene una agresión tal que en el vacio encuentra su principal atractivo, e inevitablemente evoca un sutil grado de perversión; suena bonito desde la posibilidad de meter infinitos episodios en canciones minuto.

Rockwell es la pista perfecta para cualquier ocasión en la que uno necesite gritarle a otro: me encontré a mi misma sobre una copa frondosa de hojas verdes, tú y yo teníamos una hermosa casa en el árbol con un caminito compuesto en si menor y un riachuelo cuyo puente es el arco de un violín. Por favor, acompáñame hasta arriba.

Hermanos, les pido ponerse de pie que la ceremonia litúrgica ha comenzado…

Todo está listo, el coro es dirigido por una profanadora y cocainómana Mary Poppins…

What I See

La banda del coro se encuentra jammeando; unos ligeros chispoteos de guitarra, un par de voces celestiales, la batería nos sorprende con un estrepitoso despedorre sonoro y hemos sido salvados. Mr.Yisus está con nosotros…

Abajo, en el altar, el reverendo Byrne hace de las suyas persiguiendo monjas frente al señor de las últimas cosas.

Esta misa no se lleva acabo en una iglesia cualquiera, no señor, estamos de pie sobre el lomo de una gran orca, preparados para ser bautizados por el inmenso chorro de su respiración.

The Bride

Bienvenida sea la gloria.

Bitte Orca!

Oh Lord, Eimen!

Como salido de un trailer hollywoodense, un camello en una terraza anuncia el gran estreno de Wilco (The Album). Hay que decirlo, la portada y el paródico título son atinados, ciertamente existe una relación inducida entre los road trips de ensueño y la Americana, a la que apela Wilco. Desafortunadamente lo que inspira la portada no siempre corresponde a lo que se encontrará en el disco y éste es una muestra de eso.

Personalmente disfruto mucho más otras producciones de la banda, como Mermaid Avenue en el que, junto con Billy Bragg, musicalizaron canciones de Woodie Guthrie; y el consentido de los fanáticos, el Yankee Hotel Foxtrot. Debo decir que en esta nueva entrega encuentro mucho más cursilería que atrevimientos y mucho más letargo en sus canciones. No me gusta. En cambio, sí me es posible reconocer que tiene destellos perfectos para perfilar en el soundtrack de alguna serie de televisión como Nip Tuck o Grey´s Anatomy: hay algo ahí que está de súper moda. No sé si eso sea bueno o malo, de hecho esas series se caracterizan por lograr buenas bandas sonoras; me limito a opinar que, aisladamente, aquí encontrarán dos que tres momentos ideales para musicalizar una de esas frívolas y sangrientas cirugías.

Wilco (The album) tiene destellos de maravillas como la participación con Feist, pero también tiene muchos refritos de figuras que ya escuchamos demasiado en los noventa. En general me pareció aburrido y poco inspirador, así es que, sin más, lo dejo para que sea juzgado.


Nota: La omisión de canciones en este post es una decisión personal.

¿Y usted qué opina?

Me dispongo a escribir parte de un texto que llevo postergando por meses… ese documento que significa el cierre de un ciclo más en mi vida. Mientras, decido acompañar la experiencia con “Hymn to the Immortal Wind”, nuevo lanzamiento de una de las bandas que mejor mezclan energía y sensibilidad: los japoneses de Mono. Le doy play y empieza la confrontación con la hoja en blanco… (y también con este post) ¿Quién ganará?

Me encuentro ante un espacio cálido… y cautivador. Empiezan las notas, sutiles melodías que surgen de la distorsión para envolverme mientras lentamente se descifran tintineos oníricos. Las guitarras como siempre desgarran lentamente mis entrañas, casi de la misma forma que el Maldoror de Lautreamont lo hace con sus víctimas… de una forma cariñosa y reconfortante. Las percusiones retumban en mi mente… no sé si están ocurriendo o aumentó el volumen de mis latidos mientras las cuerdas me llevan a mundos lejanos de memorias heredadas… nunca vividas pero si reconocibles.

La música juega con mi inconsciente… y tan solo han pasado los primeros cinco minutos, minutos que se vuelven atemporales entre texturas y sensaciones; entre emociones y recuerdos que hipnotizan. El disco me ha envuelto y mi mente forma unidad con el nuevo regalo de Mono.

Abro los ojos y el disco ha terminado… de forma gloriosa como una fanfarria para el fin del mundo. Algunos dicen que la sensibilidad de los japoneses proviene de ser los únicos que han sobrevivido a bombas atómicas… de ser el extremo más oriental; el ‘otro’ tan ajeno incluso para ‘los demás’. Experiencias esquizoides plasmadas sólo a través de una descripción: la más pura y sensible belleza a partir del caos… de la decadencia… del lado más oscuro del corazón.

Pero la música de Mono, aunque reflejara todo esto, cala por ser una sensibilidad casi inocente. Completamente universal para el ser humano. Aquel sonido que escuchamos cuando rompen nuestro corazón, cuando contemplamos el vacío que se hace en el tiempo cuando admiramos la perfección en la naturaleza, cuando reímos, lloramos y sentimos todo aquello que nos hace ser seres vivos. Es justo ahí donde Mono nos atrapa, aquel rincón íntimo, cálido y conocido que de manera casi de complicidad sólo cada uno de nosotros reconoce en el interior de la mente. Aquel momento en el que la mente genera ecos del presente, pasado y futuro y se convierte en energía en armonía con el entorno… en ese momento es cuando se concreta Hymn to the Immortal Wind en cada nota que tiene la duración exacta para sentir un vacío que nos recuerda estar vivos… frágiles… sensibles.

Y al final sólo queda el silencio.

Ahora ha dado tres vueltas el disco y aquella hoja sigue en blanco. Pero no importa… ya no soy el mismo.